Un fenómeno común cuando vemos imágenes es el llamado reconocimiento inmediato. Nuestros ojos comienzan a ver una imagen, un campo de flores, y el cerebro decide qué es más rápido, toma el control y construye una proyección del resto del campo de flores para ahorrarnos tiempo, entonces da la imagen por vista, comprendida, ya no vemos más y pasamos a la siguiente. La imagen que teníamos delante es completada por el cerebro tirando de conocimiento, experiencias y otras imágenes similares almacenadas en el pasado. La consecuencia es que tiene dificultades para ver cosas nuevas. Es lo que nos impide notar el nuevo corte de pelo en esa persona que vemos todos los días.
Freedom Tastes of Reality está diseñado con la intención de obstaculizar el reconocimiento inmediato y obligarnos a ver. Este proceso de reconocimiento inmediato se ha intensificado con consumo de imágenes a través del móvil. El uso de Instagram, Facebook o Pinterest ha consolidado hábitos difíciles de romper, aunque estemos utilizando otra tecnología como es el libro físico. Todos hemos visto, o nos hemos sorprendido a nosotros mismos, pasando las hojas de un fotolibro rápidamente, casi en plan efecto folioscopio. Así que mi idea era crear un objeto-fotolibro que proporcione una experiencia al lector que invite a la contemplación, de modo que pueda abandonarse al fluir de las ideas que suscitan las fotografías que está viendo.

Water Benjamin, como todos nosotros, es hijo de su tiempo. Nadie es ajeno a lo que ocurre a su alrededor, estamos inmersos en la época que nos ha tocado vivir. La historia y la cultura de nuestro tiempo impregnan cómo somos, cómo pensamos, cómo vivimos… Él escribe en los años treinta, en pleno apogeo de la modernidad. En el arte moderno prima la singularidad, se entiende la obra como una expresión de la interioridad del artista que, buscando inspiración en sí mismo, nos transmite su propia visión del mundo. Se establece así una relación directa y clara entre la obra y el artista, lo que Benjamin llama aura. Esto queda superado a partir de los sesenta por el arte contemporáneo o postmoderno. Para este la obra es una producción que busca frustrar las expectativas de lo que anteriormente era considerado arte, cultivando todo tipo de distancias; física, jurídica, moral, de buen gusto…
Con artistas como Jeff Koons o Takashi Murakami, que emplean equipos de decenas de personas para completar sus obras, u otros como Anish Kapoor o Marc Quinn, que encargan sus proyectos a talleres especializados, el concepto del aura del artista presente en la obra, que a su vez es una pieza única, es un mito moderno ya superado.

Absolutamente. Ya no importa ni el equipo, ni la técnica, lo que importa es lo que nos trasmite esa imagen. Esto en realidad no es nuevo. Por poner un ejemplo que todo el mundo conocerá, Muerte de un miliciano de Robert Capa, una imagen icónica a la que se han asociado multitud de significados a lo largo del tiempo: ¿quién se pregunta con qué cámara hizo esa foto? Es más, ¿qué importancia tiene? La novedad en la era digital es que el papel del operador, el técnico que sabe manejar la máquina de hacer fotos, ha sido sustituido por ese robot que llevamos en el bolsillo llamado smartphone.
La tecnología nos permite a nosotros mismos hacer fotografías técnicamente perfectas sin adquirir los conocimientos del manejo de la cámara: apertura, velocidad, ISO, etc., de modo que si todos llevamos una cámara en el bolsillo y con solo pulsar el botón podemos hacer una foto igual de buena que un profesional, lo único que nos diferencia es la visión y el discurso. Es decir, la intención de querer contar algo y de querer hacerlo de una forma determinada y consciente, a través de un conjunto de fotografías coherente. La poesía se ha convertido así en la única propuesta de valor diferenciadora, y eso solo pueden ser buenas noticias.

Sin duda. Se está produciendo una descorporización de todas las relaciones humanas. La vida ya no ocurre alrededor de nuestro cuerpo, hemos dejado de habitar el lugar físico en el que estamos y la vida ocurre en otra parte, discurre a través de una pantalla, allí donde no está nuestro cuerpo. Por poner un ejemplo, la mayoría de formas de trabajo ya no exigen exponer el cuerpo, se teletrabaja. De este modo se ha disociado productividad y presencialidad y del mismo modo se está produciendo una sexualidad, amistad, formación o enseñanza sin presencialidad… Freedom Tastes of Reality reintroduce el cuerpo, es una reivindicación de ese cuerpo cada vez más ausente. El cuerpo se ha convertido en la única certeza, lo único que puede darnos un contorno, un mapa de nuestra identidad.

Al contrario, mi intención no es de negación sino de afirmación. Estos son unos cuerpos que ocupan un espacio físico, que se revelan en contra del confinamiento tecnológico, especialmente contra su desplazamiento como vector de experiencias. Ya no experimentamos el mundo a través de nuestro cuerpo, sino a través de pantallas: móvil, ordenador, televisor, gafas de realidad virtual etc.
Los cuerpos de Freedom Tastes of Reality están liberados y, como bien dices, interactúan directamente con los objetos, es decir, con la realidad física. Son imágenes que ahondan en el concepto de experimentar la realidad través de nuestros cuerpos presentes.

Cuando abordo un proyecto fotográfico no asumo el papel de observador objetivo, no busco informar, busco comunicar, contar algo, intento transformar. Mis fotografías comienzan mucho antes de que la cámara capture una imagen, comienzan con el concepto del proyecto y la ideación para esa sesión en concreto. Propongo una serie de acciones e involucro a los retratados en el resultado final, en este caso algunos de los artistas más destacados del nuevo panorama. El resultado son imágenes entre escenificadas y espontáneas, de las que no te puedes fiar, borran la división artificial entre géneros fotográficos y reflejan así la inestabilidad de nuestro tiempo. Si las fotografías fueran retratos al uso en las que se reconoce al individuo, entraríamos en la dinámica de quién es quién, quién está en el libro y quién no. Naturalmente las imágenes serían una representación de esa persona en particular y dejarían de funcionar como metáforas de lo que quiero contar y transmitir.
Por otro lado, al no haber ese reconocimiento inmediato, la audiencia puede asumir un papel activo y apropiarse de la obra. La presencia de los rostros, especialmente si hay una mirada directa de sus ojos al público, centra toda la atención en ese punto. Cuando no tememos esta referencia nos vemos obligados a buscar en toda la fotografía pistas que nos ayuden a darle sentido. Esto provoca un proceso creativo que abre la puerta a multitud de interpretaciones, asociaciones y lecturas. La obra se enriquece con esas nuevas interpretaciones, como, por ejemplo, la tuya sobre la problemática de la otredad, que me parece extremadamente interesante. Los rostros y la mirada directa de los retratados imposibilitaría, o al menos dificultaría, este rico proceso.

De una forma premeditada este es un libro muy abierto a la interpretación. Se cruzan muchos temas y según la audiencia unos temas parecen más evidentes que otros. No solo está presente el dolor, también el cuerpo, el género, la sensualidad, el acto creativo, la libertad individual, la valentía de tomar un camino propio diferente al que la presión social premia… No hay una narrativa dura, no es mi intención dictar o condicionar de qué va el libro, sino que es la audiencia quién lo decide. Por ejemplo, no hay una secuencia temporal. Las fotografías se presentan tal cual sin este tipo de conexión, todo ocurre al mismo tiempo, conectadas por su actitud, tono y lugar.
Es un mundo que se presenta ante el lector, fotografía tras fotografía, y queda para él ese trabajo, o ese placer, de construir el sentido de todas ellas. Intento que el acto de mirar se convierta en algo creativo, que mirar se convierta en ver, que el libro no sea una experiencia manufacturada y pasiva sino un placer consciente y compartido.

La libertad tiene que ser física o no lo es, tiene que ser táctil, no solo basta con ver, también hay que tocar. Tenemos al alcance multitud de experiencias, supuestamente placenteras y liberadoras, que sin embargo nos dejan con una sensación incómoda o insatisfecha. Es esa sensación tras acabar un maratón de series, o después de haber estado horas en alguna red social. La pandemia ha puesto esto de manifiesto de una forma muy evidente. Nos hemos dado cuenta de que sin libertad de movimiento no hay libertad de verdad, y sin la libertad de interactuar físicamente con los demás, de besar, abrazar y tocar, tampoco. El título del libro se refiere a esa libertad, que sí lo es de verdad, se huele, se siente, en resumen, sabe a realidad.

Para mí el blanco y negro es el lenguaje ideal. La indefinición y la abstracción que implica me facilita la anulación de la frontera entre realidad y ficción. El blanco y negro también establece una suerte de atemporalidad. Esta indeterminación temporal me ayuda a borrar la línea del tiempo y establecer conexiones con el pasado que es un tema central en mi nuevo proyecto Ciento ochenta grados.
En definitiva, las limitaciones que ofrece el blanco y negro son para mí una oportunidad para concretar el discurso. Las cosas cuanto más limitaciones tienen suelen ser más específicas, más concretas. El color introduce demasiada información, cada color tiene su propia personalidad, y esto podría distraer de lo que intento contar con mis imágenes.
Sí es cierto que hay una imagen a color en el libro, pero su papel es el de la transgresión, un acto de rebeldía contra mí mismo, una llamada de atención al lector.

En mi caso ha supuesto una limitación. Después de exponer un avance de mi proyecto Ciento ochenta grados en la Galería Espacio Valverde de Madrid, estaba trabajando en su continuación. Se trata de mirar al futuro planteado como posible en la década de los setenta, pero que no llegó a materializarse, y que por contraste con el presente pone de manifiesto que nuestro mundo actual no es ni natural ni inevitable.
Para este proyecto estoy fotografiando artistas relevantes de ese momento: Esther Ferrer, Isidoro Valcárcel Medina, Concha Jerez, Francesc Abad, Ignacio Gómez de Liaño… Así que por la edad de los participantes y responsabilidad social lo he tenido que poner en pausa hasta que la situación mejore.
En cuanto al momento de la fotografía, creo que nunca hubo un tiempo mejor. Una vez liberada del papel de testigo de la realidad, las fotografías ya no son representaciones fijas, sino que pueden ser remodeladas y reinterpretadas para producir nuevos significados críticos. De este modo se convierte en material perfecto para el arte. Hemos visto en los últimos 20 años cómo la fotografía ha pasado de la marginalidad dentro del mundo del arte a una sana centralidad.

Yo creo que es más importante ser un artista interesante que coherente. Dicho esto, has definido muy bien los temas que más me interesan y preocupan: el individuo frente al grupo (pero también su aislamiento), la carnalidad como expresión de la sensualidad, es decir, la experiencia de los sentidos, y añadiría el interés por aspectos del pasado, no por nostalgia, sino porque, por contaste, abren criticas hacia nuestro presente. Un tema que no trato en Freedom Tastes of Reality, pero que es central en mi nuevo trabajo.
Yo creo que aunque cambie la propuesta estética de mi trabajo, y aunque aborde estos temas desde diferentes ángulos, de una forma u otra, acabaré gravitando a su alrededor.